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도서정보
“글씨는 마음의 그림이다” ‘마음을 표현하는 예술’ 차원에서 바라본 조선조 서예사의 큰 흐름 주자학ㆍ양명학ㆍ노장학의 거시적 시야 속에 ‘심화心畵’ 차원의 예술인식을 해명하면서 조선조 서예미학의 전모를 되짚어낸 노작 이 책은 우리네 서예사에 자취를 남긴 주요 작품들과 여러 인물들의 서론(書論)을 통해 조선조 서예미학의 전모를 되짚어낸 연구서다. 한 시대의 서예풍조가 어떻게 그 시대를 이끈 철학, 문예사조, 정치 상황과 연관되는지, 한 시대를 풍미한 서가(書家)들은 또 어떻게 자신만의 서예미학과 서예세계를 구축해나갔는지 살펴본다. 주자학ㆍ양명학ㆍ노장학이란 세 가지 거시적 사유틀에서 출발하여, 문인사대부 주류의 서예인식에 강력하게 자리 잡은 주자학 중심의 중화미학(中和美學)적 기제를 재조명하면서도, 무엇보다 그 면면에 내재한 ‘심화(心畵)’ 차원의 서예인식을 해명해낸 것이 이 책의 가장 큰 미덕이다. 아울러 주자학과는 또 다른 지형에 놓이는 양명학ㆍ노장학의 차원에서는 조선조 서풍(書風)의 진폭을 넓혀간 자유롭고 독창적인 서가들의 작품을 분석하면서 서예사대주의를 넘어서는 한국서예의 가능성까지 타진해본다. 작가 자신이 어떤 마음을 표현하는가에 따라 작품이 구체적으로 다르게 나타나는, ‘마음을 표현하는 예술’ 차원에서 조선조 서예사의 큰 흐름을 조망해볼 수 있는 책이다. 성균관대학교출판부 학술기획총서 ‘知의회랑’의 서른한 번째 책.
2022.12.30
2003년 비운의 교통사고로 별이 된 천재 조각가 구본주 1주기 추모 도록이 20주기를 1년 앞둔 2022년, 아트북으로 복원되어 대중에게 선보인다. 이 책은 2004년 서울 인사동 사비나미술관, 덕원갤러리, 인사아트센터에서 동시에 대규모로 진행된 〈구본주 1주기展〉을 기념하여 제작한 도록을 19년 만에 정식 출판물로 복원하여 만든 아트북으로, 131명의 후원자들의 모금을 거쳐 추모의 마음이 가장 짙던 순간의 기록을 그대로 남겨 두고자 최소한의 수정만으로 재현되었다. 혼자서는 옮기기 힘든 철과 돌과 나무를, 두드리고 자르고 깎아 만든 작품들을, 기꺼이 날라주고 싶을 만큼 감동을 주는 예술을 하고 싶어 하던 작가의 마음을 기억하며 이름 붙인 예술가 서포터즈 ‘구본주를나르는사람들’이 기획하였고, 구본주 작가의 작가 노트, 작가에 관한 글과 비평, 아내이자 조각가인 전미영과 동료 미술인 김준기, 최금수를 비롯한 58인이 작가 사후에 남긴 추모 글, 119점의 작품 사진이 실려 있다. 특히 작가 사후, 스승 류인 추모시가 뒤늦게 발견되면서 권진규 - 류인 - 구본주로 이어지는 천재와 요절을 묶는 비운의 시나리오로 더욱 안타까움을 더했다. 19년. 6,935일. 166,440시간. 너무 일찍 별이 되어서 더 이상 새로운 작품을 기대할 수 없는 게 아깝고 아쉽고 안타깝지만 남겨진 작품에 더해진 시간을 말로 꺼내고 글로 옮기고 빛으로 담고 책으로 엮어 아직 만나지 못한 이들에게 이 책을 전하면서 19년을 그리워하는 마음들을 모아내고자 했다. 2022년, 서울 한복판에서 길을 가던 158명이 사망하는 참사가 벌어지고, 위패도 영정 사진도 하나 없이 누구를 추모하는지도 모른 채 ‘관제애도’가 행해지는 지금, 과연 애도란 무엇인가를 되새기게 하는 책이다.
2022.11.11
가야와 신라시대 손잡이잔의 맛과 멋! 기형, 구연부, 손잡이, 문양, 색채 미술평론가인 컬렉터가 다섯 가지 키워드로 톺아본 질그릇 손잡이잔의 매력 "나는 가야와 신라의 손잡이잔을 전적으로 현대 조각, 오브제 작업으로 여기며 감상하고 완상하며 수집했다. 전적으로 손잡이잔이 지닌 아름다움에 매료되었기 때문이다."(「머리글」에서) ‘미술평론가 박영택’의 부캐(부가적인 캐릭터)는 ‘컬렉터 박영택’이다. 이 미술평론가 컬렉터가 자신의 수집품인 가야·신라시대 손잡이잔들의 조형적인 매력을 곱씹으며 한국미의 특성까지 톺아본 책을 냈다. 고미술의 아름다움을 탐닉한 책이라는 점에서 60점의 ‘조선민화’를 회화작품으로 감상한 『민화의 맛』(2019)에 이은 두 번째 작업이다. 가야와 신라시대의 손잡이잔은 흑색의 경질토기를 말한다. 굴가마(등요)에서 1000도 이상의 고온으로 구워서, 두드리면 쇳소리가 날 만큼 강하고, 색상은 회청색을 띈다. 현재 우리가 만나는 손잡이잔은 모두 부장용 껴묻거리로 컴컴한 무덤에서 나왔다. 따라서 제의적 측면과 연관된 것으로 보지만 거의가 도굴 유통된 탓에 학술적인 가치가 전무하다는 지적을 받는다. 저자는 그럼에도 잔 자체가 주는 아름다움과 조형적인 매력을 감상하는 데는 지장이 없다며, 손잡이잔을 애지중지한다. 저자가 추려낸 손잡이잔은 75점. 이들 손잡이잔을 다시 다섯 가지 키워드로 나눠서 각각의 특징에 주목하며 당시 가야·신라인들의 세계관과 내세관은 물론 손잡이잔에 투영된 한국미의 특질까지 짚어준다. 따라서 이 책은 손잡이잔을 통해 당대인의 생활과 생각, 미의식까지 추출한 ‘손잡이잔 인문학’이다.
2022.10.13
세계적 조각가 문신(文信, 1922-95)의 생애와 작품을 통해 융합과 조화의 미학을 다룬 책이다. 문신 예술의 주요 키워드인 시메트리(Symmetry)는 대칭 또는 균형으로 번역되며, 물체를 반으로 나누었을 때 양측이 똑같은 경우를 말한다. 문신의 작품에서 시메트리가 의미하는 바는 자연의 섭리이자 생명의 법칙, 즉 하나의 우주 그 자체다. 문신은 자신이 발 딛고 서 있는 물질적 땅에서 비물질적 가치를 이끌어낸다. 불가항력적 환경 안에서 이루어내는 인간의 자유의지를 믿었던 문신이었다. 극단과 극단 사이를 횡단하는 그의 태도는 구상과 추상의 경계를 넘나드는 작품 스타일에서뿐만 아니라 동서양을 누빈 삶의 노정에서도 묻어난다. 문신 예술에서 시메트리는 그의 삶에서 계속해서 묻어나오던 소통과 상생의 의미를 가진다. 그의 작품에서 반복되는 시메트리 형식의 고정된 사용은 소통과 상생의 절대적인 가치를 강조하기 위한 하나의 방법론으로서 쓰였다. 절대 법칙으로서의 시메트리 안에서 그는 자유를 말하고자 했다. 문신 조각에서 주로 쓰이는 재료 스테인리스강은 관람자뿐만 아니라 놓이는 환경까지 반영한다. 낮과 밤, 도시와 정원 사이에서 우리는 ‘같은’ 조각을 두 번 다시는 볼 수 없다. 하물며 단일 존재마저 주변 환경에 의해 달라지는 세상 속에서 “이질적인 개체들이 하나의 지평 위에 평화롭게 공존하고 있는 문신의 작품”(83쪽)은 우리에게 존재에 대한 너그러움까지 안겨준다.
2022.07.30
미학이 철학으로부터 분리되어 단독적 학문으로 독립하게 된 것은 근대에 이르러서였다. 1750년 독일의 철학자 바움가르텐(A.G.Baumgarten, 1714-1762)이 미학적 담론을 감성적 논리로 새롭게 체계화한 『sthetik』(영문명 aestetics, 미학·감성학·감성적 인식·감성적 인식학 등)으로부터 출발한다. 미학은 비교적 뒤늦게 출발한 독립적 분과학인데다, 우리들의 실생활에 절실한 학문이 아니라서 낯선 신생의 학문처럼 느껴진다. 동아시아 한자문화권의 서예미학書藝美學 역시 오랜 역사를 간직하고 있으면서도, 우리에겐 무척 낯선 신생의 학문이다. 3천여 년 전 갑골문甲骨文을 비롯한 여러 서체의 한자漢字가 출현한 후 여러 뛰어난 학자들과 서예가들, 예를 들면 주역周易의 여러 저자들과 진대秦代의 이사李斯, 한대漢代의 양웅揚雄·허신許愼·채옹蔡邕, 위진남북조대魏晉南北朝代의 왕희지王羲之·왕승건王僧虔, 당대唐代의 우세남虞世南·손과정孫過庭·이양빙李陽氷·안진경?眞卿 등의 서예미학사상에 관한 기록들이 오늘에 전해지고 있다는 데서 오랜 역사를 간직하고 있다고 말하는 것이다. 서예미학은 그 오랜 역사에도 불구하고 현대적 의미의 연구는 20세기 중반 중국에서 이루어지기 시작하여 1970년대 말 서예열書藝熱과 미학에 관한 관심이 고조되기 시작하면서 본격화되었기에 낯선 신생의 학문이라고 말하는 것이다. 우리 한국의 경우 서예미학의 학술적 연구는 중국이나 일본에 비해 양적 질적으로 큰 차이를 이루며, 연구할 수 있는 인적 자원도 크게 부족한 것이 사실이다. 심하게 말하면 서예문화의 학술적 연구에 관한 한 황무지 개척기나 다름없다고 하겠다. 그나마도 ’88세계올림픽 대회의 개최를 계기로 세계를 향한 문호 개방과 함께, 원광대·계명대·대구예술대·대전대 등에 서예학과가 개설되어 크게 기대하기도 하였으나, 서예의 학술적 연구와는 거리가 먼 현대식 서예학원에 머물고 말았으며, 그나마도 지금은 폐과되어버린 실정에 놓여 있다. 그러나 다행스럽게도 1998년 한국서예학회가 창립되고, 1999년 한국동양예술학회가 창립되며, 2007년 한국서예비평학회가 창립됨으로써 비로소 서예의 학술적 연구 분위기가 진작되기 시작하였다. 여기 더하여 2000년 21세기의 도래와 함께 성균관대학교 유학대학원에 서예미학 전공 석사과정이 개설되고, 성균관대학교 일반대학원 유학과에 동양미학 전공 박사과정이 개설되므로써 바야흐로 서예의 학술적 연구가 활기를 띠기 시작하였다. 서예 관련 여러 학회의 창립과 성균관대학교 유학대학원의 서예미학 전공 석사과정 개설 및 성균관대학교 일반대학원 유학과의 동양미학 전공 박사과정 개설은 나의 서예미학 연구와 결코 무관치 않다. 본시 나의 대학 강단활동은 중국철학, 특히 공맹유학과 노장학, 그리고 공맹유학의 창조적 계승·전개인 양명학의 연구와 강의 활동이었으며, 서예미학과는 전혀 관계 없이 이루어졌다. 이후 서예 관련 학회를 창립하고, 대학원 석사과정과 박사과정에 서예미학과 동양미학 전공 과정을 개설하면서 나의 학문적 관심은 서예미학으로 급속히 경도되어 갔다. 태어나면서부터 묵향 속에서 자라고, 일상적인 서예 체험과 서예 창작의 과정으로 다져진 나의 생활이 학회에서의 발표와 석·박사과정 학생들을 교육하고 지도해야 한다는 책임감과 하나로 맞물리면서 나의 서예미학(동양미학)에 대한 관심은 빠르고 자연스럽게 열려 갔다. 나의 학문적 연구와 독서 및 강의 활동을 통한 자각적 자득自得은 한국의 전통철학과 중국철학, 특히 공맹유학孔孟儒學과 노장학老莊學, 그 중에서도 공맹유학의 창신적 계승인 양명학陽明學이 모두 심학心學이라는 사실이다. 특히, 양명심학은 모든 존재와 가치의 본체를 인간 개개인의 선천적 본래마음, 즉 양지良知에 두고, 그 자연스러운 발현과 전개를 삶과 학문의 주제로 삼는다는 점에서 그 어떤 미학사상도 양명심학의 범주를 벗어나지 않는다는 것이다. 나는 그동안 서예비평과 신서예정신 및 서예미학사상 등에 관한 글들을 틈틈이 써온 바 있다. 이제 나이 팔순八旬을 넘어 이책 저책들에 산재해 있는 서예미학사상에 관한 글들을 다시금 가려 뽑아 약간의 수정을 거친 후, 한 권의 책으로 엮고, 『서예미학사상 산고書藝美學思想 散稿』라는 이름으로 세상에 내놓는다. 이는 나의 학문적 업적을 세상에 보이기 위해서가 아니다. 서예미학사상에 관심을 기울이며 삶을 살아간 한 독서인讀書人으로서, 그 자취를 한 곳에 모으는 작업 자체가 무척 즐겁기 때문이다. 여기 더 이상 무엇을 바라겠는가. 2022년 푸른 5월에 송하경 적다
2022.06.21
꽃예술이란 “작가가 자연성을 적극적으로 활용하여 예술성을 발현시키는 것”이다. 114개의 다양한 꽃작품과 식물 사진을 풍부하게 수록하여 꽃예술의 세계를 체계적으로 이론화하여 새로운 관점을 보여주는 책이다. 이 책은 꽃예술에 대한 체계적인 창작이론서이다. 각 장은 예술론에 기반한 꽃예술 창작론과 꽃예술 창작을 위한 조형론, 꽃예술의 확장을 위한 오브제의 활용 및 심리를 적용한 꽃예술론으로 구성되었다. 꽃예술이란 “작가가 자연성을 적극적으로 활용하여 예술성을 발현시키는 것”이라는 이해에 따라 ‘예술에 자연을 담다’라는 부제를 달았다. 이 책은 우선 생활에서 하나의 목적을 위해 창작되는 꽃작품에서부터 전시를 위한 꽃작품에 이르는 꽃예술의 다양한 작품세계를 살펴보고 꽃예술의 정의 와 목적 및 다양한 영역의 이해로부터 출발한다. 꽃예술 작품의 매체인 자연재료를 그 계절적 특성과 활용방식으로 분류하고 사진을 수록하여 그 특징들을 살펴볼 수 있도록 하였다. 이 책의 특성은 꽃예술 창작에 대해서 ‘모방’, ‘추상’, ‘상상’, ‘표현’의 예술론을 적용하여 꽃예술 창작의 다양성을 해석하고 화형법을 넘어 열린 방식의 창작법을 제시하는 것에서 보인다. 더 나아가 실제적 꽃예술 조형을 위해서 양감·질감·운동감·색의 조형요소와 통일과 변화 및 균형과 비례의 조형원리를 다루고 이를 적용한 작품들의 예시를 통해 조형적 해석을 구체화하였다. 꽃예술의 확장적 관점은 다양한 오브제를 활용한 꽃작품의 세계뿐만 아니라 꽃예술이 갖는 치유적 효과와 색채심리 및 도형심리에 이르기까지, 꽃예술을 보고 경험하는 다양한 방식에서 찾아볼 수 있다. 마지막 15강에서는 꽃예술의 기획과 전시에 관한 내용을 다룸으로써 꽃예술의 세계를 체계적으로 망라하도록 하였다. 각 장의 내용은 우선 그 장에서 중점되는 개념을 설명한다. 그리고 그 개념에 부합하는 작품의 예시를 풍부하게 들어 설명하고 있다. 각 장의 마지막 부분에는 창작을 위한 생각들을 작품의 계획과 창작, 창작이후 함께 소통하며 비평하는 논점을 제시하여 다양하게 활용할 수 있도록 하였다. 작품 114개를 수록하고 그에 대한 다양한 논점들을 해석해나가는 이 책은 꽃예술가와 이에 대한 이해를 확장하고자 하는 독자에게 자연성을 극대화하여 예술성을 보여주는 작품들을 생생하게 살펴볼 수 있도록 이끌 것이다. 이 책은 꽃예술을 애호하는 일반독자들에게 뿐만 아니라 교육 제도 속에서 교재로 혹은 학사·석사·박사 과정에서 강의할 수 있도록 편집되었다.
2022.06.20

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